Meyasubako signifie boîte à suggestion en japonais, celle-ci était située devant la cour suprême pendant la période d’Edo (1603-1868). Elle a été mise en place pour permettre aux habitants d’écrire leurs doléances directement à leur supérieur indépendamment de leur statut. L’installation que je souhaite créer s’en inspire car elle invitera le public à s’immerger dans un espace inspirée des habitats japonais.

Structure mobile

Ce sera une construction de deux mètres carrés, elle sera démontable et déplaçable pour être installée dans des endroits où une œuvre d’art est attendue ou inattendue.

J’utiliserai du bois pour ces propriétés naturelles et écologiques. Les panneaux seront réalisés en chêne car c’est un bois que l’on peut trouver en France, de plus il symbolise la tenue dans le temps.

Les parois reprendront la forme des shoji. Ce sont des panneaux coulissants constitués originellement de papier. J’emploierai de la soie translucide car cette matière est un peu plus résistante et flexible que le papier. Sur les huit shojis, quatre d’entre elles seront coulissantes afin de jouer sur l’intervalle d’ouverture.

Le toit sera ôté à l’image des figurations japonaises de bâtiments, nommée fukinuki yatai, littéralement le toit ôté. Ce mode de représentation s’est développé à l’époque Heian (794-1185) dans les rouleaux peints des récits littéraires. La particularité de ce point de vue est d’estomper la séparation entre espace intérieur et extérieur.

Empreinte cartographique

À l’intérieur de l’installation quatre mini-tatamis seront disposés formant un carré, laissant un espace vide. Celui-ci pourra accueillir des graminées, l’œuvre d’un artiste invité, diverses propositions. Ce sera un surface libre qui s’adaptera à l’envie de l’organisation qui accueillera le Meyasubako.

La soie des shojis révèleront des empreintes de bois, et des dessins de cartes que j’ai collecté au cours du voyage de recherche au Japon en 2016. A l’issue de cette expérience ma pratique artistique c’est orientée vers l’utilisation de carte pour leur aspect graphique et également leur importance dans la compréhension de la perception du monde. Elles permettent de préparer un voyage, de se déplacer une fois sur place, puis de se souvenir des endroits dans lesquelles je me suis rendue.

A l’ombre de l’impermanence

L’ombre est considérée au Japon comme un aspect fondamental de l’esthétique des habitations japonaises traditionnelles, celle-ci a été mis en valeur par l’écrivain Tanazaki Jun’ichiro dans le livre Éloge de l’ombre.

Au fil du temps, la soie s’abîmera, je viendrais la réparer en ajoutant des sparadraps de soie. Ils seront offerts aux visiteurs pour qu’ils écrivent un ou deux mots sur le sentiment susciter par l’œuvre. Puis ils les disposeront au centre de la boîte. Cette action invitera le spectateur à réfléchir et à agir de manière simple.

A la fin de chaque exposition, les sparadraps seront récoltés et serviront de pansement pour réparer d’éventuels déchirures apparus pendant l’exposition. Les morceaux restant seront archivés dans une boîte située à l’entrée du lieu. La soie sera préalablement trempée dans de la cire d’abeille afin de les rendre imperméable. Ainsi, pour réparer les shojis, je chaufferai délicatement le sparadrap pour qu’il adhère au shoji du Meyasubako. Cette action s’inspire des techniques de restauration de tableau sur lesquels le restaurateur dispose des morceaux de papier qui protège l’œuvre abîmée.

La labilité de l’espace est un aspect fondamental de la spatialité japonaise. Un simple module de quatre tatamis se déplacera là où l’on en a envie. L’œuvre invitera à une sensation de mobilité et d’immobilité, telle une boîte qui fait voyager dans l’espace nous projetant dans une ambiance japonaise, un espace de cheminement. Le travail de l’architecte, Ban Shigeru, qui réactualise une architecture modulaire et transportable fait à partir d’éléments préfabriqués et assemblés m’a largement influencé sur la nature de ce projet.

Je souhaite, ainsi, que cette Meyasubako soit un espace « à vocation de » mais non dévolu à une fonction étroite et précise. Contempler et ressentir la saison, la vanité, le fugitif.

Si vous souhaitez soutenir cette construction artistique,

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Œuvre éphémère et participative pour le 1 avril.

Les fêtes populaires sont des vecteurs de lien social, des moments de convivialité et de rencontre, mais aussi des champs de possibilité, où les apparences de la réalité peuvent s’inverser, se transformer. Cet esprit carnavalesque vit encore dans la tradition du poisson d’avril. Le poisson d’avril est le jour des fous, le jour de ceux qui n’acceptent pas la réalité ou la voient autrement. J’ai voulu mobiliser la force critique de cette journée pour aborder la blague qui nous accapare tous, à savoir la politique et la campagne des élections présidentielles.

L’installation artistique invitait les passants à s’exprimer simplement sur la politique. J’ai convié les citoyens à participer à une étude symbolique et ludique en fabriquant un bateau en papier. Ils écrivaient leurs sentiments, opinions, points de vue sur la feuille de papier, qu’ils pliaient ensuite en forme de bateau, puis les mettaient à l’eau. Les bateaux amarrés les uns aux autres ont doucement fait évoluer l’installation. A la levée des bateaux, je dépliais les bateaux pour révéler les écrits et les dessins des participants. Une vingtaine de personnes ont contribué à cette étude artistique, elles ont pris leur mission très à cœur aussi bien dans l’écriture du message, que dans le pliage.

L’enchevêtrement des bateaux et de leurs amarres peut être comparé à la complexité des voies et des perspectives qu’on retrouve dans la société réelle. Le résultat devient ce vivre en commun des individualités.

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Lors d’un premier voyage au Japon, ma recherche portait sur les liens entre la nature et la culture, plus particulièrement l’observation du Wabi-sabi, notion si difficilement explicable par des mots.
La lecture du livre de Roland Barthes, L’empire des signes, a orienté mon regard vers la carte.
Ma démarche consiste à détourner l’utilisation des cartes et des objets ordinaires pour développer mes réflexions sur notre relation à l’environnement et à l’altérité.

Made in Maranouchi / 2016 /
Photographie contrecollée sur aluminium/
50×70 cm

La carte a été une clef d’introduction à la culture japonaise. Elle m’a servi d’outil pour interagir avec les habitants. De ces relations, j’ai développé des créations performatives, photographiques et graphiques.

Au cours de ce voyage de recherche, je développais une action quotidienne ; je demandais aux passants de m’orienter en dessinant une carte. Cet acte me servait de lien pour communiquer avec les japonais à travers le dessin.

Je m’adressais auprès de différentes catégories de personnes (âges, genres, corps de métier, etc.) pour avoir des réactions variées. Je leur offrais en échange du plan qu’elles me donnaient, une petite œuvre graphique. Les personnes étaient sensibles à ce geste. Ce temps de marche dans les villes me permettait d’observer finement la vie ordinaire.

From Corme-Royal / 2016 /
Petites oeuvres graphiques.

From Kofu’s inhabitants / 2016 /
Cartes récoltés à Kofu.
A Kofu, je résidais en face d’une école. Toutes les semaines les marques du terrain de sport étaient dessinées avec une machine à tracer fonctionnant avec de la poudre. Les lignes s’effaçaient et se superposaient au fil du temps, créant un dessin monumental et éphémère.

Pour cette performance, je me suis inspirée d’actions quotidiennes qui m’ont touchées : tracer, balayer et arroser les plantes.
J’ai repris un plan obtenu au cours de mes interactions avec les habitants. J’ai choisi celui de la papeterie car ce lieu était très agréable et foisonnant d’articles de bureau.
J’ai dessiné une marque au sol avec la machine à tracer. Une fois la marque inscrite, je l’effaçais aussitôt en balayant et en arrosant avec de l’eau. Cette performance a mis en geste le travail de terrain réalisé pendant le mois sur Kofu. En sortant de leur contexte des actions ordinaires, j’invite les habitants à porter leur regard sur le rythme du quotidien.